Crítica: Os Vingadores (The Avengers, 2012)

Finalmente chegou aos cinemas o audacioso plano da Marvel. Depois de iniciar em 2008 com "Homem de Ferro" e um enorme sucesso, a produtora colocou em prática o desenvolvimento de "O Incrível Hulk", "Thor" e "Capitão América", para que se pudesse criar o crossover em "Os Vingadores". O filme de Tony Stark teve em Robert Downey Jr um principais fatores para que o estúdio tivesse a convicção da estratégia. A partir dali, no entanto, apertaram o botão do automático e levaram às telonas histórias apenas medianas dos outros personagens, embora eficazes ao apresentar cada um deles ao público. A grande verdade é que os filmes soaram como meras desculpas para instigar a plateia pelo encontro dos super-heróis, que não apenas em cenas pós-créditos.

Então vieram mesmo em grande estilo os famosos Vingadores de Nick Fury (Samuel L. Jackson)! Com aquele up do Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) e da Viúva Negra (Scarlett Johanson), já levemente conduzidos no filme do Deus do Trovão e do homem de lata [ups]. E sem medo nem vergonha de assumir o gênero "super-herói", o filme consegue momentos do mais nostálgico gênero "aventura", mas com uma veia cômica maior do que se poderia imaginar. E "Os Vingadores" diverte. Não apenas com o já habituado estilo bonachão-sarcástico de Tony Stark, mas uma sequência de gags, que aproveitam o humor físico de Hulk (Mark Ruffalo), o contexto fora de época de Steve Rogers (Chris Evans) e as piadas de oportunidade de Thor (Chris Hemsworth).

Se o roteiro do longa é construído para que cada protagonista tenha sua importância na história, dedica-se irmamente os devidos instantes de ação e descontração que cada um terá em cena. Contudo, nem tudo é equilibrado e o que seria um alívio cômico para os momentos de tensão, por vezes se tornam em alívios tensos para conter a comédia. É bem verdade que há de se elogiar o ponto alto da aflição, causado pela primeira transformação de Bruce Banner no filme, puro terror e suspense! A dualidade perfeita do herói com uma bomba relógio para virar vilão. Já quem seria o verdadeiro responsável pelo mal na trama, Loki (Tom Hiddleston), parece mesmo sub-aproveitado e pouco convence de suas motivações tolas e infantis.

Embora "Os Vingadores" seja ótimo para a expectativa de ver uma liga de heróis fazendo justiça [opa, história errada] e brigando entre si, tem-se muito mais um episódio para o cinema do que uma história que possa ser considerada definitiva e com vida longa e próspera como filme isolado. O que, de certa forma, faz parte da estratégia da Marvel, que é ideal para replicar longas e mais longas da produtora. E será assim enquanto o público reafirmar com heroico [e nerd] entusiasmo o lugar-comum no universo para o puro entretenimento. Por enquanto, "Os Vingadores" assume seu papel de diversão sem preconceito, é a própria blockbusterização. É um excelente fast-food, com direito a refil de refrigerante e porção extra de cheddar na batata grande.



★★★★
Os Vingadores 
(The Avengers, de Joss Whedon, EUA, 2012)
Com: Robert Downey JR, Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johanson, Jeremy Renner, Tom Hiddleston, Clark Gregg, Samuel L. Jackson, Gwyneth Paltrow, Cobie Smulders, Stellan Skarsgard, Paul Battany, Alexis Denisof e Tina Benko.

Infográfico Filmes 2011 - Pipoca com Manteiga

Semana passada anunciei o Aplicativo para smartphones da Nokia, hoje é com grande prazer que apresento o primeiro infográfico realizado pelo Pipoca com Manteiga! Veio com certo atraso, é verdade, mas foi uma experiência que acredito ter resultado em um trabalho muito legal e que pretendo seguir daqui pra frente, com outras temáticas do cinema. O primeiro infográfico é dedicado às produções cinematográficas vistas ano passado pelo blogueiro e que estão listados na página Filmes 2011. São dados como as nacionalidades dos longa-metragens, quais as cotações foram atribuídas, de quais décadas são, quais características de gêneros e mais! Além disso, também aponto outras curiosidades, como quantos filmes foram vistos no cinema, quantas horas de projeção  no total e quantos Oscars os filmes vistos levaram! Espero que gostem do material e que torçam pelos próximos que estão por vir!

Conversa entre moleques (Super 8, 2011)

Imagine a cena: você tem entre 11 e 13 anos, adora filmes, passa tempos se divertindo e falando bobagens com seus amigos lesados, acha aquela menina loirinha a mais incrível das pré-adolescentes e tem a sensação de que todo dia você vive um mundo, mesmo não saindo do seu bairro. Se você não conseguiu esboçar nenhuma lembrança interessante na sua cabeça, "Super 8" será só mais um filme de homenagens aos anos 80. A quem pensou na hora em ir até o depósito e cavucar coisas antigas só para entrar no clima, "Super 8" será das experiências mais efusivamente nostálgicas a se ter para os últimos instantes.

É bem possível que os famosos meninos de apartamento [ou piás de prédio] jamais se identifiquem com aquela história de se empolgar tanto para querer descobrir aquele causo da vizinhança. Talvez os criados com vó também não se interessem tanto assim por toda aquela coisa de rir na cara do perigo e se borrar de medo na hora H, e de inventar desculpas para fazer alguma coisa proibida com os amigos. Aqueles que passavam talquinho no pescoço depois do banho então [que deveria ser antes das 6 da tarde pra não pegar sereno] possivelmente acharão que J. J. Abrams até estudou bem seu mestre Spielberg, mas que no fim das contas só fez colagens aqui e ali, em um pacote retrô de selo Amblin e dos clássicos pôsteres ilustrados, e não trouxe nada de tão marcante às narrativas sobrenaturais. 

"Super 8" é filme para MOLEQUE! Que me desculpem os engomadinhos de gola pólo que realmente se prenderam com as cenas inicias, mas que ficaram desapontados com o desenrolar dos personagens adultos caricatos ou com o pouco aprofundamento das questões dramáticas e de ordem paterna que passam os jovens protagonistas. Um pouco mais de desculpas àqueles autênticos moleques de sangue roxo, que até curtiram os efeitos especiais e vibraram com as fantásticas explosões do início, mas que acabaram achando o final meio meloso, Braddock espera por vocês minha gente. Boyzinhos de plantão, vocês também, talvez "Fast and Furious Six and Again and Again and Again" seja mais apropriado. 

E você, pequena gafanhota, que já estava com um sorriso no rosto pela aventura, mas ficou mordendo a boca de raiva pelo moleque ali em caixa alta. Não se acanhe, porque o clubinho também aceita garotas serelepes! Basta estar disposta a pular por aí, pisar na grama e sujar o joelho da calça tentando descobrir o que realmente aconteceu naquela noite misteriosa na ferroviária. Caso se interesse, também temos vagas para jovens atrizes de filmes de zumbi! Aliás, é essencial que você não se importe em se melecar de sangue falso e em fazer uma cara de monstro assassino sem alma. Tudo pela arte! Ahh, seremos só amigos, mas se sem querer você nos encantar com seu jeitinho de menina esperta, brigaremos a valer para saber quem irá proteger você e poderá assistir ao lado desses seus doces olhos aquela sessão de "Goonies" ou "Conta Comigo". Sabe, são coisas da idade.

★★★★

Super 8

(de J. J. Abrams, EUA, 2011)

Com: Joel Courtney, Elle Fanning, Kyle Chandler, Riley Griffiths, Ryan Lee, Joel McKinnon Miller, Noah Emmerich, Glynn Turman, David Gallagher, Ron Eldard.

A Árvore da Vida (The Tree of Life, 2011)

Como lidar com a morte, se você ainda não percebeu o real valor da vida? Como ser feliz, quando tudo ao redor se desfaz em triste melancolia? Como ser um filho melhor, se você já é o espelho do seu pai? Como aceitar passivamente o caos, se o momento insiste em realizar testes de tormento? Como ser uma boa pessoa em um mundo em que "bons" e "maus" possuem a mesma sorte? Como viver em paz, sem ter a certeza do raio de sol na manhã seguinte?

É possível acreditar em Deus, quando tudo está errado? É possível acreditar que o universo inteiro exista por algum motivo aleatório e sem importância? É possível que tudo conspire unicamente a um ser, mesmo que ele viva em conjunto a uma infinidade de outros seres? É possível o mundo parar, para estabelecer a ordem de uma alma? É possível não haver um propósito para cada unidade existente neste universo? É possível haver uma certeza para algo que não se tem ao menos um álibi?

Até que ponto temos controle sobre os acontecimentos da nossa vida? Até que ponto estamos preparados para uma sucessão de perdas? Até onde vai a sua fé? Até onde você confiaria em quem você ama? Até onde seus atos representarão um peso ou um alívio para o seu caráter? Até quando você deve insistir com seus julgamentos? Até onde existe o amor, sem existir o perdão? Até que instante a vida termina, para dar prosseguimento a uma nova etapa?

Se o universo existe a bilhões de tempos, por que acreditar que o papel de cada ser humano deve se resumir a uma única jornada? Se a natureza estabeleceu um ciclo, por que achar que somos os grandes injustiçados do mundo? Se o homem não é o centro disso tudo, só por isso deve deixar de viver da melhor maneira possível? Se o homem é o centro disso tudo, deve acreditar que tudo irá se consertar para que ele viva da melhor maneira possível? Se não existe um fim, tudo pode ser encarado como um novo começo?

Independente do que aconteça, o mundo continuará a existir.

A vida é efêmera, mas os laços criados serão eternos.

★★★★

A Árvore da Vida 

(The Tree of Life, de Terrence Malick, EUA, 2011)

Com:  Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Hunter McCracken, Tye Sheridan, Laramie Eppler.

Especial Harry Potter - Crítica

Depois de quase um mês de posts, o Especial Harry Potter chega ao fim com a crítica do filme. Muito se tem a falar depois de oito episódios. A saga, que passou pelos diretores Chris Columbus (HP 1 e 2), Alfonso Cuarón (HP 3) e Mike Newell (HP 4), entregou a David Yates a missão de concluir a série com os últimos quatro filmes. Como seria algo quase impensável ver um único diretor comandando tantos filmes em sequência da mesma franquia, ao menos no final era importante dar esse padrão cinematográfico, para que os caminhos da história pudessem afunilar de maneira mais uniforme. 

O início em uma aposta segura

Por mais contraditório que possa parecer, talvez o trabalho mais árduo tenha se iniciado com Chris Columbus. Introduzir um conto já estabelecido com enorme sucesso em sete obras da literatura infanto-juvenil poderia ser um tiro no pé. Não é exagero dizer que havia um medo enorme de se desperdiçar um dos maiores potenciais mercadológicos que a indústria audiovisual e artística possuía. Embora Hollywood não hesitasse reformular tudo novamente se fosse preciso, o desgaste seria muito alto para personagens tão icônicos da atual cultura pop. 

Mas Harry Potter estava fadado ao sucesso. Como segurança, J. K. Rowling se manteve à frente do projeto e não deixou em nenhum momento que algum outro nome pudesse se sobressair mais que sua própria criação. O que certamente funcionou no início. O universo fantástico de Hogwarts chegou à tela da maneira mais apresentável que qualquer fã poderia imaginar. O desafio real era ter um elenco de crianças e jovens à altura da produção e pelos próximos dez anos. Hoje, é notório o amadurecimento do grupo principal de Harry (Daniel Radcliff), Hermione (Emma Watsonn) e Ron (Rupert Grint). 

A atuação ingênua e por vezes exagerada no início da franquia até transmitia o clima ideal daquele momento. Se tudo era incrivelmente novo para aqueles personagens, a mesma sensação era encontrada em cada leitor mirim ao ter contato pela primeira vez com um mundo mágico. Assim, Chris Columbus conduziu "Harry Potter e a Pedra Filosofal" e "Harry Potter e a Câmara Secreta" não apenas para fazer uma aventura com crianças, mas para introduzir o cinema na vida das pequenas celebridades e levar a experiência necessária de quem alçou Macaulay Culkin ao estrondoso sucesso com "Esqueceram de Mim 1 e 2". Era preciso não apenas fazer um "Goonies" dessa geração, mas cuidar do talento e do deslumbre de cada um. Definitivamente, foi o Winguardium Leviosa  da saga!

O momento de transição com Alfonso Cuarón

Primeiro passo estabelecido, Dumbledore e Aquele-Que-Não-Podemos-Mencionar já começavam a se configurar como o Obi-Wan Kenobi e Darth Vader daqueles que nasceram pós-1990. Se Harry Potter não era uma Trilogia, e os dois primeiros filmes já haviam dado garantias suficientes para as próximas continuações, o terceiro filme da série poderia arriscar sem medo e ir mais a fundo em determinados temas. Alfonso Cuarón veio para a direção, o que poderia representar uma abordagem mais autoral, mesmo que dentro da proposta já consolidada. O clima de fantasia colorida e coragem desmedida, que só as crianças  e os verdadeiros heróis tem, dariam lugar ao ambiente mais sombrio e da real noção do perigo.

Nesse sentido, o diretor mexicano fez o que pode, dentro dos limites. Aqui, seria o momento em que a história avançaria de maneira significativa. Trocam-se os uniformes tradicionais e puristas de Hogwarts por roupas mais urbanas. A passagem da infância à adolescência normalmente é turbulenta, surgem crises de identidade e procura-se livrar de certos estigmas infantis. Ainda mais quando se tem a informação de que um perigoso prisioneiro está à solta a sua procura. Era o momento em que o medo e aflição dos personagens seriam testados.

O que fazer quando se é encurralado por seres que podem sugar sua energia? Como entender que o destino é capaz de lhe conceder um peso ainda maior do que aquele que já possui? Se Dementadores ou o Sirius Black já impõe certa carga de pânico, a chegada da própria adolescência pode ser ainda mais temerosa. São elementos complexos que começam a ser introduzidos. E Alfonso Cuarón oferece o que tem de melhor em termos técnicos, indicando que as experimentações estéticas podem funcionar mais a frente. Mas é o momento em que a história cai na terrível síndrome das adaptações, quando a narrativa necessita da obra original para o todo. Uma liberdade maior ao diretor poderia ter gerado um roteiro mais astuto e menos dependente de Rowling.

A ascensão de Voldemort 

Mas os erros são aprendidos e o avanços implementados são aprimorados. Assim, "Harry Potter e o Cálice de Fogo", com a direção de Mike Newell, consegue ser o eixo que o filme anterior ensaiava. O amadurecimento e a mudança de postura são visíveis. O medo, que se iniciava no filme anterior, sai do terreno psicológico e passa a ser sentido em dor, sangue e perda. É o momento em que as convicções tomam forma. Aqui é o ponto chave da franquia, apresenta-se o que o bruxo pode ser capaz de fazer e o que ele realmente deve temer.

Ralph Fiennes finalmente aparece como o marcante Lorde das Trevas. É como se os filmes anteriores fossem apenas motivos para que a entrada de Voldemort pudesse ser triunfal. Toda a lenda que vinha sendo contada  eclode no breve reencontro entre a figura maléfica e Harry. Imagina-se os dois lado a lado em um ringue. O locutor aponta para o lado direito, descreve o histórico de Harry Potter e a plateia faz o seu "ohh!". O locutor aponta para o lado esquerdo, que estava oculto até o momento, anuncia com entusiasmo as tantas vitórias por nocaute de Voldemort. A luz acende e revela o tão falado oponente, levando a plateia ao delírio, com a expectativa em êxtase para o início da luta. Avada Kedrava!

O vácuo da franquia

Depois que o primeiro embate passa, no entanto, vê-se que ainda tem muitos rounds pela frente e a franquia perde fôlego. A impressão do não-fã é de que tudo agora poderia caminhar direto para o último filme. Esperar por mais três longa-metragens para que o badalado confronto finalmente aconteça é ouvir um blablablá de "Harry é o predestinado", "a história desses objetos você não conhecia", "e o passado do professor Snape?", "Voldemort está se fortalecendo", "Hogwarts passa perigo", "os pais de Harry deixaram isso".

O bom fã entende os capítulos de "Harry Potter e a Ordem da Fênix" e "Harry Potter e o Enigma do Príncipe" como vitais para o desencadeamento  final. David Yates consegue ser bem sucedido em sua tarefa e apresenta mudanças sutis, mas importantes em termos de tom da narrativa. Os personagens são ainda mais desenvolvidos e a história ainda mais reveladora. Seria interessante para uma série que se apoia em contos isolados, mas muito desgastante para a série que possui um objetivo bem claro desde o início, que é o confronto Harry vs Voldemort.

Assim, embora o final dividido em dois de "Harry Potter e As Relíquias da Morte" tenha a justificativa de que ainda há muita coisa a contar dos livros, em termos cinematográficos nada mais é do que pura prolixidade. Se no início da franquia era importante manter a escritora com todas as rédeas em seu domínio, agora até lamenta-se não poder enxugar de uma vez a literatura. É como se pedissem a alguém para escrever um poema em uma parede e a pessoa resolvesse colocar "Os Lusíadas". Harry Potter não apresenta um problema interno em sua história, mas audiovisualmente falando, em um sétimo filme, cansa.

Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte II

Chega o momento da esperada batalha final. Como o próprio filme se anuncia, esta derradeira etapa promete ser épica, com emoções de sobra para atender a expectativa criada em dez longos anos. Diferentemente da sonolenta Parte I, a sequência que conclui a saga de Harry Potter tem um ritmo intenso. As mais de duas horas de projeção passam de maneira surpreendentemente velozes e tratam de amarrar todas as pontas da série.

Tudo é detalhadamente explicado novamente. É bom contar com o auxílio de um leitor ao lado, pode ser que você se perca nas rápidas explicações. Se Yates optou pelo clima contemplativo no primeiro filme do fim, nesse segundo ele não poupou correria. Juntos, os filmes poderiam ser mais eficientes. Coloca-se um pouco de velocidade na Parte I, acrescenta-se alguns minutos na Parte II e voilá! Mas a técnica de colocar um ao lado do outro, optando por cada um com uma característica própria, talvez não funcione exatamente bem. O livro é assim? Lamento Rowling, estamos falando de cinema.

Na parte técnica, com uma grandiosa produção de efeitos especiais, direção de arte e maquiagem, o filme é visualmente apoteótico. A trilha sonora era eficaz até meados do longa, mas consegue ser patética justamente quando o fator "batalha" prometia tensão. Em determinado momento, tem-se a impressão de que o filme já está para acabar. Em meio a invasão do castelo, com a luta pegando fogo e a trilha de repente fica calma. Junta-se a câmera lenta e estamos diante de um momento triunfal, a um segundo do fim e... Ei! Olhe o relógio, ainda não aconteceu nada de mais, tem muitos minutos pela frente.

O grande equívoco, no entanto, está em momentos cruciais para uma história. A morte de personagens importantes é tão acelerada como a própria explicação do plano que Snape (Alan Rickman) firmou com Dumbledore (Michael Gambon). Batalha épica requer emoção e dor pela perda de alguém. Bellatrix Lestrange (Helena Bonham Carter) era odiada e todos desejavam por esse momento? Então deixe o público apreciar cada instante da vingança. Não tire o prato ainda quente da mesa.

E Voldemort? Sete filmes depois, muitas aparições, medos causados, danos irreparáveis. Basicamente se construiu uma saga inteira dando ao vilão a mesma importância que tinha o mocinho. Voldemort foi motivo de muitos complexos e questionamentos para o herói. Era digno que o confronto supostamente épico fosse, no mínimo, demorado. Não havia nem a necessidade de fazer como Rocky Balboa, que apanhava até o segundo final de uma luta. Mas para um temido confronto, ao menos algumas alternâncias de domínio poderiam ser aplicadas.

Ainda que possa parecer um completo desastre, o filme em si é um dos melhores da franquia. Embora acelerado, consegue ser muito envolvente. Se o espectador não pegou um detalhe ou outro da trama, não há grande dificuldade em participar junto. Alan Rickman chega aqui ao auge da atuação de seu Professor Snape. O caráter ambíguo do personagem é conduzido com grande competência. Ao final, entende-se cada atitude tomada até então, traduzida pela firmeza de quem estava mergulhado nas angústias desse personagem desde o início. Ralph Fiennes mais uma vez entrega um Voldemort poderoso e marcante, salvo uma certa cena desnecessária em que é o puro retrato da felicidade. Ron Rupert e Emma Watson merecem reconhecimento pela grande evolução, assim como Daniel Radcliffe, embora ele ainda insista em forçar caras e bocas em determinados momentos.

De modo geral, "Harry Potter e as Relíquias da Morte - Parte II" é um grande filme. Uma conclusão merecedora de aplausos pelo conjunto da obra que foi a franquia. Representou o retrato de uma geração de jovens, em um ciclo de descobertas e amadurecimentos, e que ficará marcado como uma das grandes produções cinematográficas. HP merece um destaque de honra nos capítulos da sétima arte, por trazer com muita qualidade a magia e a inspiração ao gênero fantasia, tão banalizado por obras que optaram pelo caminho fácil e esquecível. O clima de nostalgia que vai sendo tomado pelo público ao fim, demonstra o quão o filme pode se constituir como um marco. O apego de longo tempo fica na memória com a certeza do dever cumprido.  É uma grande aventura, que certamente fará muita falta em alguns anos, principalmente quando a vida de cada um que o acompanhou estiver tal qual o desfecho da história, levando seus filhos para embarcar em um mundo novo, com a insegurança de quem irá entrar na Plataforma 9 3/4 e pegar o trem rumo à Hogwarts.

★★★★
Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte II 
(Harry Potter and The Deathly Hallows, de David Yates, EUA, 2011)
Com: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes, Helena Bonham Carter, Bill Nighy, Richard Griffiths, Harry Melling, Julie Walters, Bonnie Wright, Fiona Shaw, Alan Rickman,  Carolyn Pickles, Toby Jones, Robbie Coltrane, Brendan Gleeson, James Phelps, Oliver Phelps, Mark Williams, George Harris, Andy Linden, Mundungus Fletcher, Domhnall Gleeson, Clémence Poésy, Natalia Tena, Evanna, Lynch, Rhys Ifans, Matthew Lewis.


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Adeus, Lenin!

A história gira em torno de Alex, e seu amor incondicional por sua mãe, uma aficcionada socialista da Alemanha Oriental. Tudo começa quando ela tem um ataque cardíaco e fica em coma, e só vem a acordar 8 meses depois, quando a o muro de Berlim já caiu, as Alemanhas já estão reunificadas, já ganhou a copa do mundo, e o capitalismo e as multinacionas já estão presentes no cotidiano da cidade. Para evitar então o choque que seria tudo isso pra sua mãe e, por consequência, um novo ataque cardíaco, o filho tenta fazer de tudo para instalar a antiga e socialista Alemanha ao seu mundo. E é a partir disso que se desenrola todo a inteligência de "Adeus, Lenin"!

Com a ajuda da família e de uns amigos, Alex traz pra mãe o mundo socialista de volta, desde o picles que ela comia, até criando um telejornal fictício pra explicar certos acontecimentos, como quando ela vê uma enorme bandeira da Coca-Cola em prédio pela sua janela. Em um outro momento, por exemplo, em que ele leva até o quarto dela seus antigos alunos para cantar no dia do seu aniversário algumas canções socialistas.

Essa vontade a todo instante de fazer com que a mãe se sinta bem, além de ser altamente divertido, sobretudo emociona, e faz com que você torça para que tudo dê mesmo certo para o socialismo. Não pela causa socialista em si, longe disso, o filme em nenhum momento faz esse tipo de apologia, apenas pela grande demonstração de amor de um filho pela mãe. 

Embora seja um filme com um tom leve e descontraído, a história não deixa de fazer uma crítica no mesmo tom e de provocar questionamentos, suavemente presentes. É válido ressaltar a crítica que o filme faz à manipulação de uma realidade. Antes ou depois da doença, a mãe não é capaz de enxergar a verdade dos fatos, tanto pelo próprio governo socialista, quanto pelo jogo feito pelo filho. 

Ainda que a crítica esteja presente, o grande propósito de "Adeus Lenin" é retratar uma lição de amor,  é mostrar o que um filho pode ser capaz de fazer por sua mãe. O resultado é a criação de um novo mundo, sustentado das maneiras mais divertidas e emocionantes possíveis! 

Adeus, Lenin! (Goodbye, Lenin!, de Wolfganger Becker, Alemanha, 2003) | 8,5

Com: Katrin Sab, Chulpan Khamatova, Florian Lukas, Alexander Beyer, Burghart Klaubner, Michael Gwisdek.

Crítica: Amor Sem Escalas (Up in the air, 2009)

Atenção passageiros do vôo Desprendimento 03, com destino ao fantástico mundo da natureza humana, embarque imediato, portão Jason Reitman.

You’re fired! Para Donald Trump isso talvez não seja problema, é só apontar o dedo na cara do infeliz, deixar algumas veias saltarem na testa, cerrar os olhos e tã-dã! O trabalho está feito, a audiência garantida e aquele indivíduo já não faz mais parte da empresa. Na vida real, no entanto, não há um grande patrocinador que banque esta idéia. É preciso ter calma, hombridade, humanizar o processo, indicar novos caminhos. E se a quantidade de funcionários recebendo o bilhete azul passa das dezenas por dia, é preciso de Ryan Bingham (George Clooney).

É um trabalho sujo, mas já que grandes empresas não têm essa coragem toda, Bingham é a arma. É preciso frieza para isso, olhar nos olhos, convencer da situação e ainda mostrar um novo horizonte que havia sido perdido no tempo. “É uma grande chance de você seguir o seu verdadeiro sonho e ir fazer o que gosta.” Realmente soa como uma grande oportunidade. Mas não pense que há sentimentos nisso tudo, não com Bingham. It’s just business.

Cartões e cartões de hotel. Fidelidade na companhia aérea. Milhas e milhas e mais milhas a acumular nisso tudo. “Próximo destino? Aeroporto, por favor! Amigos? Vivo cercado de pessoas o tempo todo! Família? Todos morrem sozinhos! Casamento? Veja a quantidade de divórcios!” Ele não quer dinheiro, nem amor sincero. Apenas milhas. Eis a sua obsessão.

Entre indas e vindas ao Hilton, surge Alex (Vera Farmiga). E se Bingham tiver uma alma gêmea, essa é Alex. Ela é puro desprendimento. Hoje é St. Louis, amanhã Minnesota, mas amanhã a tarde ela estará disponível para um sexo casual. Não há acanhamento algum em relação a isso. Perfeito para Bingham.

E eis que surge a tal da videoconferência. Gastos com a companhia aérea? Não mais, meu caro. Demissões acontecerão agora daqui mesmo. Redução de custos, lugar fixo, estabilidade. “Como alguém pode ser demitido por videoconferência?!!!” O problema não está na impessoalidade do processo, mas na falta das milhas e nessa forçada estabilidade. A jovem Natalie (Anna Kendrick) é a responsável por tudo isso, e ele há de viajar por aí com ela para mostrar a ineficácia desse novo sistema.

Natalie é um protótipo de Bingham. É capaz de estabelecer um fluxograma para o momento demissional. “Está tudo nos folders”. Mas é daquelas que define uma meta pra tudo e estabelece planos e mais planos e um roteiro próprio pra sua vida – aquela que é perfeita, com o príncipe encantado e a família feliz estereotipada –. É um cubo de gelo, que só precisa de umas doses de whiskys pra se desmanchar na sua verdadeira essência.

Jason Reitman pretende que você comece a pensar em você mesmo. Em como anda o seu trabalho, o seu convívio com a família, se realmente faz o que gosta ou se acomodou a fazer, no que está construindo de relações humanas. É pra você pensar no que realmente importa pra você e irá fazer a diferença daqui a uns anos. É uma bela mensagem, e como livro deve funcionar perfeitamente.

Mas você está viajando de classe executiva, e por mais que a viagem esteja bem agradável e sem grandes turbulências, talvez falte aquele detalhe do brinde de champagne na taça de cristal, que só uma 1ª classe é capaz de lhe servir. Além das milhas a mais, é claro.

★★★★
Amor sem Escalas 
(Up In The Air, de Jason Reitman, EUA, 2009)

Com: George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga.

Tudo Pode Dar Certo

“Tudo pode dar certo” é Woody Allen de volta às origens. Nova York, sarcasmo e manias. Boris (Larry David, co-criador da série Seinfield) é um senhor bem rabugento, que reclama dos amigos, reclama da aposentadoria, reclama das viúvas, reclama dos programas de televisão, reclama dos jovens, reclama da geladeira, reclama de si mesmo, reclama, reclama e reclama... Demais pessimista, daqueles que culpam tudo e todos pelo fracasso da humanidade, pela ignorância dos seres humanos, pela burrice que se alastra cada vez mais, pela pouca inteligência das pessoas. Hipocondríaco, está sempre à procura de um paliativo pros seus males. É quase um paradoxo, acredita na ciência, no poder dos medicamentos e condena os que pedem ajuda aos céus, mas não deixa de lavar as mãos cantando duas vezes a adorável “parabéns pra você”, já que só assim se é capaz de eliminar totalmente as bactérias, segundo seu transtorno obsessivo compulsivo.

Melodie (Evan Rachel Wood, de Across The Universe) é uma dessas mocinhas bobas, cheias de sonhos, sem muita maldade no coração e com nada de senso. Você fala, ela acredita. Você inventa uma teoria, ela faz disso uma lição de vida. Super disposta a colaborar e a aprender. Saiu de sua rica casa no interior, pra viver uma aventura qualquer na Big Apple. Há um espírito de liberdade nela, só não um discernimento para isso. Não pensou em trabalho, nem em moradia, nem em perigo, nem pensou em nada, aliás, há alguns anos ela não vinha pensando. Eis então que encontra Boris. Como resistir a uma doce menina pedindo um lugar pra ficar enquanto há frio e fome e pessoas más lá fora? E Melodie cresce muito com a companhia de Boris. Música clássica, teorias disso e daquilo, culturas, autores e afins. Ela se torna uma pessoa crítica, exigente com o mundo, tal como ele, mas ainda doce e simples.

E então, também chegam os pais atrás dela, surgem alguns romances, alguns pretendentes e a partir disso, todos começam a reavaliar todo o conceito de suas vidas. Uma reação em cadeia que envolve desprendimento de antigos pensamentos, trocas, aprendizado e tudo o mais. E todo o pessimismo ainda existe, todas as manias, todo o sarcasmo de um mundo falho e uma humanidade errônea, mas que, sobretudo, vive por um bem comum. 

Porque a vida adora contrariar as teorias, nos desmentir e nos pregar algumas curiosas peças. Porque o “Universo é um acaso cego sem sentido”, provando que ainda que tudo pareça conspirar pro lado errado, tudo pode mesmo dar certo.

Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works), (de Woody Allen, EUA, 2009) 

Com: Larry David, Evan Rachel Wood, Kristen Johnston, Patricia Clarkson, Michael McKean, Steve Antonucci e Ed Begley Jr.

Romance

Wagner Moura e Letícia Sabatella.

Fotografia e Trilha.

Teatro e TV.

Arte e Realidade.

Amor e Tragédia.

Sutileza e Graça.

Pintura e Poesia.

Paz e Transtorno.

Orgulho e Perdão.

Verdade e Mentira.

Amor Real e Amor Inventado.

Ator e Humano.

Sucesso e Ponto de Vista.

Discussão e Audiência.

Entretenimento Gratuito e Entretenimento Artístico.

Alienação e Compromisso.

Convencimento e Superficialidade.

“Eu te amo” e “Não sei se te quero”.

Resistência e Vulnerabilidade.

Drama e Comédia.

Tristão e Isolda.

Romance.

Romance (de Guel Arraes, Brasil, 2008) – 8,0

Com: Wagner Moura, Letícia Sabatella, Andréa Beltrão, José Wilker, Vladimir Brichta, Marco Nanini.

O Lutador

Bom, não se trata de Benjamin Button, mas comecemos de trás pra frente.

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Eis um filme com um final espetacular! A cena, o corte, a música... Você está angustiado, e até satisfeito. Você está orgulhoso por “The Ram”, e por Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood e Bruce Springteen. A sensação é de que tudo realmente fez o maior sentido.

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Mas deixo a sensação passar. E fico agora como advogado do diabo.

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“O Lutador” é um filme que cresce durante a exibição, o final é estonteante, mas até que ele chegue, confesso que tenho meus problemas com certas coisas. Por vezes, me parece até chato acompanhá-lo, o filme é um tanto silencioso, sem trilha sonora, que só surge vez ou outra; os cortes são bruscos, as cenas são soltas. Talvez eu ainda esteja envolvido demais com toda aquela efusividade de “Slumdog Millionaire”. Talvez precise de um certo tempo até estar com a mente mais aberta para revê-lo e me acostumar com tudo isso de novo.

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Há, no entanto, algo que me incomode ainda mais. Em diversos momentos, a câmera segue Randy, filmando por suas costas. Ok, há uma certa poesia pra tudo isso, “é como se quisesse mostrar que ele está sempre ‘indo à luta’, entrando num ringue, enfrentando seus problemas com a saúde, a solidão, a falta de comunicação com a filha”, ou como se dissesse, “o filme é com você Mickey! Nós apenas o acompanharemos”. Pode ser poético, mas me incomoda demais isso. O plano funciona perfeitamente na cena em que ele vai ao seu novo emprego, no supermercado, mas repeti-la mais 2 ou 3x não funcionou comigo.

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Mas talvez tudo seja mesmo compensado pelo final. Não há como tirar o mérito de uma produção que tecnicamente já acabou, mas que até que você vá fazer alguma outra coisa, ela já passou e repassou na sua cabeça. Você está realmente orgulhoso de “The Ram”, e agora acha que tudo deverá valer a pena, se isso for realmente o que deseja fazer. Há força de vontade, esperança. Levamos toda uma dignidade conosco...
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★★★★

O Lutador 
(The Wrestler, de Darren Aronofsky, EUA, 2008)
Com: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ernest Miller e Todd Barry.

The Science of Sleep

“The Science of Sleep” conta a história de Stephane (Gael Garcia Bernal), um desenhista mexicano (e inventor nas horas vagas), que vai a França morar com sua mãe por conta de uma promissora oferta de trabalho – que logo se revela um chato emprego de “montador” de calendários.
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Desde criança, Stephane sempre teve sonhos um tanto reais, e com o passar do tempo, isso foi se aprofundando. E passa a conviver cada vez mais com a presença deles na vida real. Em um de seus sonhos é apresentador da “Stephane TV”, um programa sobre sua vida, em que também ensina a “ciência do sono”.
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A premissa da história, no entanto, se dá na relação de Stephane e sua vizinha Stéphanie (Charlotte Gainsourg), e na quase obsessão dele em tentar conquistá-la. E é em seus sonhos que ele procura soluções para que Stéphanie possa ser bem mais que sua amiga, já que na “vida real” ela não parece disposta a encarar um relacionamento com uma pessoa tão insegura, e demais atormentada.
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O filme carrega elementos “fantásticos” o tempo todo. São nuvens de algodão que pairam no ar com a música, papel celofane que sai da torneira como água, máquina do tempo de 1 segundo para trás ou para frente... E o diretor e roteirista Michael Gondry mais uma vez nos enche de surrealismo!
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Mas o que era pra ser uma história sobre um homem “inventivo porém inseguro” (tanto quanto o personagem Joel, em “Brilho Eterno...”, a obra-prima de Gondry) e sua busca por Stephanie, regado com muita fantasia, toques de discussão sobre o que é real e algumas pitadas de análise da mente humana, simplesmente não funciona.
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Gael até atua bem enquanto Stephano é apresentador da TV, e por todas as vezes que deve agir como “pessoa excêntrica”, mas não convence quando a fragilidade de Stephano é colocada em evidência, e acaba surgindo muito caricato, bem ao contrário da atuação de Jim Carrey em “Brilho Eterno...”. Falta química a Gael e Charlotte, falta emoção, comprometimento.
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E “Brilho Eterno...” realmente pesa na comparação, ainda que a premissa em si seja completamente diferente. Se em seu último filme certas cenas que surgiam soltas tinham um motivo e podiam ser explicadas pela sua não-linearidade de roteiro, aqui elas simplesmente são “soltas”, apenas para que o diretor possa exercitar seus efeitos em stop-motion (que, apesar de tudo, são visualmente perfeitos pra temática proposta). E o que tinha tudo pra ser um roteiro fantástico, surge como mal finalizado – parece que Charlie Kaufman (também roteirista de “Brilho Eterno..”) fez mesmo falta.
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Contudo, mesmo com todas essas deficiências, o que falta mesmo ao filme é Ritmo. Algo para acompanhar o comportamento de Stephano, os momentos de fantasia, aqueles outros em que tudo se mistura... Se no “Em Busca da Terra do Nunca” cada vez que somos levados à fantasia, vem junto o clima do filme, o ambiente, a trilha, e tudo colabora, em “The Science of Sleep” as coisas acontecem como “se nada tivesse acontecido”, e embora a idéia deva ser mesmo esta, aqui isso faz realmente falta.
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Definitivamente, é um filme para poucos. E ainda que goste da idéia, o meu entusiasmo foi bem, bem menor que o de 4h depois, logo após ter visto “Zodíaco”. Mas isso é assunto para um próximo post.